筆で描くことによる表現の究極にたどり着いた画家ピエール・アレシンスキー（1927～）は、90歳近い今も精力的に制作を続けている。人はそのダイナミックな筆致に圧倒される。熱い思いが火山の噴火のように噴き出した作品に接する者は、その筆の勢いに身を任さざるを得なくなる。作品は何かを語っているかのように見えるが、理路整然とした解釈はそぐわない。アレシンスキーの作品では、そこに描かれた未分化ともいえる表象こそが作品に奥行きを与え、魅力となっているのである。しかも国際的名声を得たこの画家のルーツに日本の書道があったとは、そして彼が洒脱な禅画で知られる仙厓を師と仰いでいたということは、日本人としてなにか嬉しくないだろうか。

グループ自体は短命に終わり、コブラは51年に解散するが、アレシンスキーは彼らが目指したものを引き継ぎ実践していった。またこの年の冬、彼は出会いや刺激を求めてパリに移り住んだ。一方、左利きを矯正された彼は、左手は絵を描く手、右手は文字を書く手としていた。絵と文字の相違点と共通点を意識する中で、50年代初頭の作品には表象とも文字ともつかないものが全面を覆い尽くしている（例えば《夜》）。こうして文字に対する意識と自発的で自然な筆さばきに対する興味は、彼を次第に書の世界に近づけていった。
　決定的だったのはパリで52年から通い始めた版画学校ディセットで偶然日本の前衛書道誌『墨美（ぼくび） 』を見つけたことであった。彼は一気に書道の世界に近づくことになり、雑誌を主宰していた書家の森田子龍と文通を始めた。日本に行くことは彼の夢となった。

しかしながら油彩は即興的な制作には向いていなかった。乾くのに時間が掛かるという難点がある。これを解決したのはアメリカで見出した速乾性のアクリル絵具の使用であった。アレシンスキーが初めて渡米したのは61年のことで、ピッツバーグの国際展への出品がきっかけであった。既にヨーロッパ各地で作品を発表するようになっていたが、この頃からアメリカでも作品が展示されるようになっていた。こうして65年、2度目の、そして長期のニューヨーク滞在では、パリで出会って親しくなった上海出身の中国人画家ウォレス・ティンがこの町に住みはじめていたのでそこに滞在し、ティンにアクリル絵具の使い方を学んだ。アクリル絵具はアレシンスキーが書道から学んだ流れるような筆さばきを実践するのにうってつけだった。これ以降、彼は油彩で描かなくなっていった。

文字との関わりでは、アレシンスキーは捨てられた手紙や不要になった書類、帳簿、古い証明書、地図、航海図など、焼かれる難を逃れた紙類といった文字のある反故紙を使って多くの作品を制作しているのも特徴である。中には19世紀のものもあるそれらの紙類をパリや南仏の蚤の市、古物商、古本屋などで見つけだして「再利用」し、オリジナリティー溢れる独特の効果を生みだしている（《あなたの従僕》など）。
　作品自体ではなくその題名にも文字や言葉に対するこだわりが感じられるものが多く、言葉遊びに似た命名は翻訳者泣かせとなっているが、その背景にはアレシンスキーが第一級の文筆家であり、65年以降、随筆を中心とした多くの著書が大手の出版社から出されているということがある。コブラの目指したものの中に専門外への挑戦があったが、まさにそれを実践したわけであり、左手による絵と右手による文の両方で、アレシンスキーは独自の境地に達したのである。

新たな挑戦を続けるアレシンスキー。街のマンホールに紙を当てて模様を浮き出させる拓本のような技法を取り入れた作品や円形の作品も斬新で、本展にも近作も出品される。しかもそれらは、作家が若かりし頃の作品同様の力強さをもっている。おとろえぬ情熱、走る筆。本展はファンならずとも興味をそそられるまさに待望の展覧会と言えるだろう。

ザ・ミュージアム上席学芸員 宮澤政男